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Perfomanse
obra que participo en la bienal






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Perfomanse obra que participo en la bienal


Monica Kabregu
Artista Plástica


RA - ¿Donde naciste?

MK - Yo nací en Montevideo en el 47 y después me vine para Brasil en el 74.

RA - ¿En qué zona de Montevideo en qué barrio naciste? 

MK - En el centro, en la zona Sur.

RA - ¿En qué momento comienzas a descubrir el sentimiento o el gusto por el arte?

MK - Naci rodeada por el arte, mi papá era un artista pintor italiano y mi madre alumna de mi padre en la Escuela Italiana en Montevideo. Un tiempo después se casaron. Después de casada, mi madre dejó de pintar;"Decía que nunca llegaría a la calidad del trabajo de mi padre". Y en determinado momento, mi madre no resistió y le dijo a mi padre qué quería hacer un atelier de cerámica. Era un tiempo en que no había atelieres de cerámica en Uruguay.
Entonces, me crié en un entorno entre pinturas, cerámicas y esculturas. En 1966, me fui a Trinidad donde estudié Técnica Rural, porque me encanta el campo, paralelamente a eso yo estaba estudiando, en la escuela de Bellas Artes San Francisco de Asís donde mi papá era director, junto con el escultor Zorrilla de San Martín.   
Bueno,  y me fui para el campo, no llegué a estar dos años porque me enfermé, me volví a Montevideo y estuve un año en cama sin poder caminar. 
Fue terrible, porque tenes toda la ilusión de hacer todo lo que a uno le gusta, entonces mi padre cuando yo comencé a caminar me dijo; "mira Mónica, yo ya estoy viejo y quiero pasarte mis alumnos nuevos, ya estoy cansado". En aquella época no me di cuenta de la real intención de papá.
 -"Y le creí, viste". El me pasó sus alumnos, comencé a ejercer toda la parte de arte, empecé a enseñar y después trabajé como ceramista en el atelier de mi mamá, dando clases. Me formé como escultora e, igualmente que mi mamá, yo pensaba que no llegaría a la calidad del trabajo de mi padre.
Entonces, cuando yo tuve que decidir lo qué estudiar, me fui para el área de la escultura; "Eso es lo que a mí me atrapó en mi vida. Todo ese proceso de la tridimensionalidad, del volumen, todo ese tipo de cosas, que después fui desarrollando como una lucha, por así decirlo. Llega un momento qué me sofocó un poco, de que el arte estaba restricto a padrones absolutos; que escultura era escultura y que pintura era pintura, cosas totalmente distintas y sin vínculos entre ellas". Como legitima "ariana", busqué otros caminos y otras formas de expresión.

RA - ¿Ahí comienzan las etapas verdad?

MK - Si, durante toda mi trayectoria artística, pase por varias etapas. Hoy, a los 70 años, ya pasé por muchos momentos de creación. Como "Ariana" esto es bien complicado, porque, una vez que decides sobre algo, ya enseguida te quedas pronta para un nuevo desafío.
El proceso de Dibultura se desarrolla en mi mente. Me recuerdo qué Calasso, que fue mi profesor de escultura, en el primer día de clase, nos dio la definición de escultura.
"Escultura es un volumen tridimensional , realizado por sucesivos dibujos". Para mí fue muy fuerte, o sea, yo imaginé una piedra, un volumen y uno trabajándola, y esta imagen quedó guardada en mí mente; cuando se me pasó la expectativa de la escultura, del volumen,  partí para la percepción de una nueva teoría de arte, que la bautice con el nombre de Dibultura. 
En ella, digo que; "Todas las artes surgen del Punto y la Línea".  Dibultura es la unión de dos palabras; Dibujo + Escultura.  En el momento de crearla, parto del soporte plano de un papel que dibujo con una línea. Esa línea la traigo al espacio y en realidad mi volumen es el espacio.
Inicialmente la presentaba en salones de escultura, porque yo la consideraba escultura, ahí me lo rechazaban. Decían que era un dibujo. Entonces la presentara en un salón de dibujo y me decían; "Esto es una escultura, no un dibujo". Hoy defino Dibultura como algo hibrido, sui generis.
Después de 20 años de trabajo, en Paysandú, me cedieron una sala para presentar Dibultura. Un montón de ideas escritas y bocetos, me forzó una pausa para organizar la primera exposición sobre todo el processo de Dibultura. El director del Museo de Gaucho y La Moneda, el maestro Asunção,  que también fue alumno de mi papá, me dijo;  "No podes estar mostrando Dibultura por el mundo sin registrarlo como una Teoría de Arte Latinoamericana". Actualmente ya está registrada como teoría de arte latinoamericana.
El proceso demoró nueve meses, donde fue estudiado y pesquisado a fondo para comprobar su  originalidad como nueva teoría. A partir de este registro, tuve que presentar  públicamente en un manifiesto conjuntamente con una exposición de Dibultura. Esto me oportunizo  presentarla por varios lugares como: en el Childrens Museum de Indianápolis (USA), Museo Gomide en Galícia (España), en el Museo de Arte do Rio Grande do Sul-MARGS en Porto Alegre (Brasil ), el Museo de Arte de Santa Catarina en Florianópolis (Brasil), y en Uruguay en el Ministerio de Relaciones Exteriores y últimamente en las Bienales de Perú y Colombia.

RA - ¿Eso fue lo que hizo que tú te trasladaras a Brasil?

MK - No. La razón por la que me instalé acá, en Brasil, fue porque me casé con un uruguayo, que ya estaba residiendo.

RA - ¿Tú viviste el momento fermental de lo que fue Montevideo?

Si, yo pase mi adolescencia rodeada de artistas, y viví los conflictos que se generaban en lo que eran los debates de ideas de las diferentes estéticas, que yo no sé si mucha gente sabe, en aquel momento eran guerras de tendencias variadas, estaban los artistas vanguardistas y estaba mi padre más conservador de la escuela europea, el representaba  "el maestro" dónde la gente se apoyaba,  artistas, que hoy son grandes maestros, tenían a mi padre como la voz. Eran sus discípulos.
Mi casa era como un refugio de ideas más conservadoras, era una época muy efervescente para el futuro de la cultura y del arte de nuestro país. Cuando  vine a Brasil en 1974, era como estar en un desierto. Un amigo artista me informa qué había salido una llamada para presentar un proyecto de artes visuales en un evento llamado Danza Alegre Alegrete, en la ciudad de Alegrete (Brasil), para introducirlo en la programación. Yo imaginé que podía usar "danzarines" como pinceles. Esta performance era realizada sobre un soporte plástico de aproximadamente 15mX20m, donde eran colocadas pinturas de colores primarios, para que los fueran mesclando a medida que desarrollaban la performance de danza. Cuando terminó, fue construida una instalación en forma de columna, donde el espectador entraba para ver los efectos de los movimientos de la danza observados en formas translucidas a través del sol. Fue algo muy loco, me di cuenta que los danzarines no colocaban en ningún momento los pies en el suelo, simplemente volaban!

RA - ¿Ahí comienza un nuevo momento en tu vida?

MK - Sí, el momento de la performance de danza fue lo que a mí me convenció de que aqui era mi lugar. Era una creación nueva y que despertaba mucha curiosidad a los participantes, tanto para los danzarines como para los espectadores. En Uruguay yo no podría haber hecho estas cosas tan locas; "te estoy hablando de una época muy ortodoxa, era casi imposible de hacer este tipo de cosas en la década del 70. A partir de ahí comencé a hacer videoarte, performances, entre otras cosa. Yo le debo mucho a Brasil.

RA - ¿Ahí también es donde comienza un poco también tu preocupación por lo que es la tierra verdad?

MK - Si, es muy interesante eso que tú me decís, porque yo sentía que en hay momentos que cada artista piensa que va a enloquecer, es una locura sana, es una locura de creación, hubo un periodo de mi vida que estaba con Dibultura y con éxitos, pero yo veía una escena en la televisión de incendios de tierras y yo me ponía a llorar. Era una sensibilidad demasiado fuerte, en relación a la tierra, la Pachamama, y en un momento mi mamá me comenta, antes de fallecer, que ella fue adoptada, que era de origen charrúa. Fue el momento más feliz de mi vida. A partir de ahí entendí que fue como la abertura de un portal para pasar al entendimiento de mi finalidad en la tierra. A partir de este momento, empecé a trabajar con obras fundamentadas con la tierra.

RA - Ahí te encuentras con toda una ancestralidad de dónde venimos, todo como un hilo conductor.

MK - Lamentable esa ideología presa de nuestras tierras de que el indígena es un ser inferior y ahí yo pasé a entender la finalidad de mi atelier y cuál era mi función. Poder enseñar la sabiduría  de nuestros ancestrales  a través de las artes, porque yo siempre pensé  que el arte tenía un poder. Actualmente en mi obra uso ese poder vibracional de la tierra, realizando obras que curan.

 






 

 



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